ロックを重く歪ませた音楽だ。エレキギターのディストーション(音の歪み)を強くかけ、リフを楽曲の中心に据える。テンポは中速から速め(BPM90〜140)。ドラムは細かく叩き込む“フィル(おかず)”で場面を盛り上げ、ベースはギターのリフと同じ動きを重ねて厚みを出す。ボーカルこそハードロックの決め手だ。ロバート・プラント(レッド・ツェッペリン)、スティーヴン・タイラー(エアロスミス)、デヴィッド・カヴァデール(ホワイトスネイク)らがその代表だ。裏返る寸前まで高音を張り上げる力強い歌い方が定番だ。歌詞が扱うのはバンド生活、女性、車、自由、そして誇張された栄光と退廃。録音の傾向も時代で分かれ、1970年代は部屋の自然な響きを生かした音、1980年代はすき間を埋め尽くす分厚いギターの壁を狙った音作りが主流になった。同じハードロックでも、70年代盤と80年代盤では音の手触りがまるで違う。

まず、ギターのリフがどれだけ口ずさめるかに注目したい。『アイアン・マン(Iron Man)』『バック・イン・ブラック(Back in Black)』『ヒア・アイ・ゴー・アゲイン(Here I Go Again)』のように、メロディとして覚えられるリフほど名リフとされる。ボーカルの高音域も聴きどころで、出るか出ないかの瀬戸際を張り上げる緊張感がドラマを生む。ドラムも見せ場で、ジョン・ボーナムが『ホエン・ザ・レヴィ・ブレイクス(When the Levee Breaks)』で叩く重く遅い冒頭のグルーヴ——階段の吹き抜けの自然な残響をそのまま録ったビート——は、後のヒップホップでも数えきれないほどサンプリングされ、このジャンルで最も真似されたドラムの一つだ。ライブで観ると、観客が頭を激しく振り、こぶしを突き上げ、サビを大合唱する——その一体感そのものがハードロックの魅力だと体感できる。

1曲なら、レッド・ツェッペリン『ホール・ロッタ・ラヴ(Whole Lotta Love)』(1969)。アルバムなら、ディープ・パープル『マシン・ヘッド(Machine Head)』(1972)で、『スモーク・オン・ザ・ウォーター(Smoke on the Water)』『ハイウェイ・スター(Highway Star)』など代表曲が並ぶ。1980年代を1枚なら、ガンズ・アンド・ローゼズ『アペタイト・フォー・ディストラクション(Appetite for Destruction)』(1987)。