ラーガ(旋法)とターラ(リズムの周期)を二本の柱とする南インドの古典音楽。歌が主役で、ヴァイオリン、ムリダンガム(両面太鼓)、ガタム(粘土壺)などが伴奏に加わる。コンサートは2〜3時間の長尺で、複数の「クリティ(声楽曲)」を続けて演奏する。ラーガとターラの組み合わせから無数の楽曲が生まれ、演奏は楽譜よりも即興に大きく依存する。譜面が伝えるのは旋律の骨格だけだ。歌詞はサンスクリット語、テルグ語、タミル語、カンナダ語で書かれ、テーマは神への讃歌が中心となる。

インド古典音楽は13〜14世紀以降、北のヒンドゥスターニーと南のカルナーティックに枝分かれし、16〜17世紀には明確に二つの伝統へ分かれた。北がペルシア・イスラム文化を吸収したのに対し、南は保守的なラーガ体系と神への讃歌を守り続けた。中心地はタミル・ナードゥのタンジャーヴール地方。なかでも18世紀後半〜19世紀前半に活躍した「カルナーティック三大作曲家」(ティヤーガラージャ、ムットゥスワーミ・ディークシタル、シャーマ・シャーストリー)が書いた数千曲のクリティが、今も演奏会の中心レパートリーをなす。20世紀にはM. S. スッブラクシュミ(国連やカーネギーホールでの公演で世界に知られた歌手)がこの音楽を国外へ広め、マンドリン奏者U. スリーニヴァースは西洋楽器を古典の伝統に持ち込んだ。現代ではT. M. クリシュナが演奏の場や社会的慣習を問い直す存在として知られる。毎年12〜1月、タミル暦のマールガリ月にチェンナイで開かれる「マドラス・ミュージック・シーズン」は、ひと月に数百もの公演が集まる世界的な祭典だ。

曲はまず「アーラーパナ」(冒頭のフリー・リズム即興、5〜30分)で始まり、歌い手がラーガの音域全体を探索する。続いてクリティ本体に入ると、一定のリズム周期(ターラ)が定まり、即興がその上で展開していく。ムリダンガム奏者は「タカディミ」のような口唱歌(リズムを口で唱える言葉)に合わせて太鼓を打ち、歌い手の即興リズムと掛け合う——この応酬が聴きどころだ。終盤には、ドレミに当たる音名を即興で歌うソルフェージュ(カルパナ・スワラ)が始まり、音名を一音ずつたどっていく。

日本ではカルナーティック音楽コミュニティは小規模だが、東京・京都に演奏家・指導者がいる。武蔵野音楽大学、東京藝大の民族音楽学コースで研究されている。1980〜90年代にラヴィ・シャンカールの「東洋の精神性」ブームの一環として一部に紹介された。ティヤーガラージャの祭典が毎年米国・欧州・日本でも開催されている。

1曲だけ聴くなら、M. S. Subbulakshmi『Bhaja Govindam』(Odeon, 1970年)。澄んだ声がゆっくりと広がっていくので、即興がどう展開するかを初めてでも追いやすく、カルナーティック歌唱の最高峰の一つだ。アルバムなら、彼女のカーネギーホール公演を収めた『At Carnegie Hall』(1977年録音)が定番。現代の演奏では、若い世代の現代的な歌唱を聴かせるT. M. Krishna のライブ盤『Live in Concert』が無理なく聴ける。映画《ライフ・オブ・パイ》の主題歌で知られる柔らかな声、Bombay Jayashri の『Listening to Life』も最初の一枚に向く。

M. S. スッブラクシュミ(1916〜2004)は、インドの最高文民勲章「バーラト・ラトナ」を受章した最初の音楽家。1966年に国連総会で『Maitreem Bhajata』を歌い、1977年にはアメリカ合衆国カーネギーホールで公演した。三大作曲家の一人ティヤーガラージャ(1767〜1847)は生涯で約2万4千曲のクリティを作曲したと伝えられるが、楽譜として残るのは約700曲。彼の命日には、いまも故郷ティルヴァイヤールで数千人の音楽家が代表5曲(パンチャラトナ・クリティ=五つの宝玉の曲)を一斉に歌う「ティヤーガラージャ・アーラーダナ」が続いている。