インドネシア・ジャワ島・バリ島の伝統打楽器合奏。20〜30人の奏者が演奏する。中心となるのは青銅のゴング類とメタロフォン(鉄琴に似た金属の打楽器)で、これにケンダン(両面太鼓)、ルバブ(弓奏の弦楽器)、スリン(竹笛)、男女合唱が加わる。太鼓のケンダンがテンポを導き、ルバブやスリンが旋律を彩る。調律体系は「スレンドロ(5音音階)」「ペロッグ(7音音階)」の二系統が中心で、いずれも西洋音階とは異なる独自の音律をもつ。1曲の長さは5〜30分で、同じパターンを繰り返しながら徐々に変化していく循環する構造が曲の土台になっている。

ガムランの楽器は13〜15世紀のマジャパヒト期に現在の形へと発展したとされる。その後、18〜19世紀にかけてジャワの宮廷で演奏の形式が整えられ、楽譜への書き起こしも進んだ。1889年のパリ万博をきっかけに、ドビュッシーをはじめ欧米の作曲家がガムランに触れ、その響きや反復構造に影響を受けた。1950〜60年代以降はインドネシア政府が国民音楽として保護し、世界各国の大学(アメリカ合衆国・欧州・日本)にガムラン・アンサンブルが置かれた。バリ島では今も宗教儀礼と分離不能な形で受け継がれている。

大ゴング(ゴング・アグン)の腹に響く低音が数小節おきに最も長い周期を区切り、小さなゴングがその内側をさらに分割する。こうしてゴング類が時間を入れ子状に区切る仕組みを「コロトミー」と呼ぶ。その骨格の上で、複数のメタロフォンが同じ基本旋律(バルンガン)を、それぞれ違う速さや装飾で重ねていく。同じ旋律を少しずつ違えて幾重にも重ねるこの手法を「ヘテロフォニー」と呼ぶ。ケンダン(太鼓)が指揮者の役割を果たす。ジャワ・ガムランは沈むように遅く瞑想的で、バリのゴング・クビャールは全奏が一斉に切り替わる断片的な疾走感をもつ。

東京藝大、武蔵野音大、京都市芸大、東京音大などにガムラン・アンサンブルが設置されている。2002年の愛知万博以降、日本でのガムラン演奏会も増加。京都の「マルガサリ」(1989年結成)が日本最古のガムラン団体。坂本龍一、灰野敬二、芳垣安洋らがガムランから直接の影響を受けた作品を残している。

1枚だけ聴くなら、『Java: Court ガムラン』(Nonesuch Explorer Series、1971)。世界規模でガムランを広めた定盤だ。バリの躍動を知るなら『Music from the Morning of the World』(Nonesuch、1967)が入りやすい。日本では大阪を拠点とするガムラン楽団マルガサリの活動が手がかりになる。映像では、ピーター・ウィアー監督『危険な年』(The Year of Living Dangerously、1982)が、モーリス・ジャールのスコアにジャワのガムランを織り込んでいる。

ドビュッシーは1889年のパリ万博でジャワのガムランを聴き、その音楽は「言葉にできない微妙な陰影まで、あらゆるニュアンスを含んでいた」と評したと伝えられる。1895年、詩人ピエール・ルイス宛の手紙では、ジャワの対位法——複数の旋律を絡ませる書法——に比べれば、ルネサンスの巨匠パレストリーナの対位法も児戯に等しく見える、とまで書いている。代表作『版画』(1903)の第1曲「塔(パゴード)」は、このとき聴いた響きと構造から着想を得たとされる。ミニマリズムのスティーヴ・ライヒは、複数のパートが噛み合って一つの連続体を生むバリ・ガムランのインターロック(相互嵌合)構造に惹かれ、『18人の音楽家のための音楽』などにその発想を取り込んだ。もっとも、彼の代名詞である「位相をずらす(フェイズ)」手法——同じ旋律を少しずつズラして重ねる技法——そのものは、ガムランより前のテープループ実験から生まれている。