バリガムラン

バリ島の青銅製打楽器合奏。楽器は、様々なサイズと音高を持つボング（鋲付き鑼）で構成され、複数の奏者が異なるオスティナート（繰り返しパターン）を同時に演奏する。音響は輝く、時に耳を刺すような鮮烈さを持ち、リズムは複雑で、西洋の拍子感とは異なる『サイクル的時間』に基づく。テンポは速く、アンサンブルのグルーヴ感は、ロック音楽の『ノリ』に比較可能。儀礼と娯楽の両立が特徴で、同じ音楽編成が祭りでも、舞踊伴奏でも、冠婚葬祭でも使用される。

バリ島では、少なくとも13世紀から、ガムランを用いた音楽実践が存在したと推定される。ヒンドゥー教文化の影響を強く受けており、音楽は宗教儀礼と一体化している。オランダ統治下（19世紀から20世紀半ば）では、伝統保存の圧力もあり、複雑な音楽体系がほぼ維持された。戦後のインドネシア独立後、バリガムランは『民族音楽の宝』として、政府的保護を受けた。20世紀後半から、西洋の実験音楽家（アメリコーからアルヴィン・ルシェル等）によって、グローバル化が進んだ。

I Nyoman Wenten の『Gending Sekar Jepun』では、複数の音高を持つボングが、見事に同期し、一つのハーモニック・サウンドスケープを作る。個別の楽器の音は消え、『総体としての音響』が前景に出る。リズムの複雑さは、初見では『混沌』に聴こえるが、数分の聴取で規則性が浮かび上がる経験が価値。

東南アジア音楽への一般的関心の中で、バリガムランは比較的認知度がある。ワールドミュージック・ブームや、東洋哲学への関心層によって、一定の認識がある。ただし、表面的な『エキゾチック・サウンド』としての消費にとどまることが多い。

I Wayan Lotringの作品、またはI Nyoman Wenten の『Gending Sekar Jepun』。複雑さの中にも、打楽器特有の快感を感じさせる。ドキュメンタリー映像とともに視聴すると、舞踊との関係が理解しやすい。夜間、瞑想的な時間に聴くことを勧める。

バリガムランのリズムは『サイクル』という概念に基づき、西洋の『拍』ではなく、より大きな『周期』の中で音楽が編成される。このため、グローバル化した現代でも、ジャズやロック奏者との共演は、リズム感覚の『翻訳』をめぐる課題を生じさせている。