管絃

笙（しょう）の複雑な和音が空間を支配し、琵琶や箏がそこに旋律を溶かし込む。篳篥（ひちりき）のやや高い音色が時折浮き上がる。テンポは遅く、1小節が数秒かかることもあり、その間に楽器の音が微妙に響き続ける。一見単調だが、10人前後の楽器奏者が同じテンポ軸で微調整を重ねているため、全体から出てくる空気感は厳密で、かつどこか呼吸をしている。

管絃は平安時代（9世紀頃）の宮廷で唐楽・高麗楽・燕楽といった大陸音楽を受容し、日本風に鍛え上げられた形式。器楽のみで、舞を伴わない点が特徴。雅楽の中でも最も古層に位置し、儀礼音楽というより宮廷貴族たちの日常の音楽化として機能していた。

各楽器がどの層を担当しているのかを追うのではなく、全体から立ち上る単一の音響体をつかむこと。篳篥が顔を出したときにそこだけ聴くのではなく、その背後の笙の和音との距離感を感じること。また、音が途絶えた瞬間に次の楽器がどのように鳴り始めるのか、その接続の自然さに耳を向けると、舞台裏での楽器間の呼応が分かる。

日本のアイデンティティを形作る古典音楽。能の舞台音楽としても今も演じられ、邦画や時代劇の伝統的シーン、儀式の背景音として使われる。学校教育では『雅楽とは何か』を問う際に必ず登場する。

雅楽の入門では、まず管絃の簡潔な例から始まることが多い。CDアルバムの『管絃 平調楽』などの compilation を夜間に聴き、ゆっくり状態で全体の音響構造を受け取ることをお勧めする。その後、同じ曲を複数の演奏団体で比較して聴くと、楽器の選定や速度の違いが鮮明になる。

古来、管絃の編成は『十人前後の楽器奏者』という決まりが緩く、演奏の場や季節によって楽器数が変わった。冬は低い音を出す楽器を増やし、春は高めの楽器を優先するなど、季節美学が音の選択に反映されていた。